sábado, 26 de junio de 2010

A UN AÑO...

Gustav Mahler
SYMPHONIE NR.6
New York Philharmonic
Dir: Dimitri Mitropoulos
(Live Recording 10-04-1955)
(ARCHIPEL)
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A un año de la desaparición terrena del inolvidable amigo Gabriel "Cuervo López"...
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La inspiración de este modesto BLOG ha sido mi admiración por el titánico trabajo dejado por El Cuervo en el suyo propio, y de alguna manera ARPEGIO, al igual que otros Blogs hermanos, es descendiente ó al menos tributario de aquella gran enciclopedia virtual cuerviana, respetando las abismales diferencias.
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Su pasión por Mahler no la he conocido en más nadie, y su discoteca mahleriana debe ser hoy todo un patrimonio cultural... En una de mis últimas correspondencias con El Cuervo le pregunté sobre la grabación que hoy presento, y no la poseía, y hasta donde sé nunca llegó a escucharla. De todas las sinfonías mahlerianas probablemente su gran pasión era la 6ta, y su versión favorita era su enguerrilladamente defendida grabación de Solti, que muchísimas diatribas levantó en los foros de discusión.
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Buena como es esta grabación de Solti, la 6ta es una obra con un rango dinámico y expresivo que acepta casi cualquier tipo de enfoque, desde el sombrío estoicismo espartano de Barbirolli hasta los límites y umbrales de la psicopatofonía de versiones como las de Bernstein ó Tennstedt.

Un referente obligado en esta sinfonía es uno de los indiscutiblemente grandes intérpretes mahlerianos: el maestro Dimitri Mitropoulos... el mismo que hizo la primera gran grabación de la 1ra, la "Titán" (entrega futura de ARPEGIO). Mitropoulos, director por una decada de la Filarmónica de New York, introdujo la 6ta sinfonía, hasta entonces una obra muy impopular e incomprendida, nada menos que en el ambiente musical de los Estados Unidos. Si bien ha dejado una grabación comercial y conocida con la orquesta de la Radio de Colonia, su verdadero hito histórico lo constituye una grabación anterior, digna de atesorar, realizada el 10 de abril de 1.955 con la Fil. de New York, y con semejante grado de intensidad y penetración del pathos mahleriano, se puede considerar como el rasero a través del cual deben medirse el resto de las grabaciones, habidas y por haber.
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A tal respecto, el reputado mahlerólogo Tony Duggan escribió en su revisión a esta grabación:
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"A truly great recording of this work is one by the New York Philharmonic under Dimitri Mitropoulos "live" at Carnegie Hall in 1955. Unfortunately this is only available as part of a very expensive multi-disc NYPO commemorative box called "The Mahler Broadcasts" but is the one performance in that box that cries out for individual release. I’m still using this survey to make a strong plea that the orchestra authorities contribute to the Mahler discography and licence it to one of the major companies as the remastering engineers have certainly done it proud. One critic described this as a "dramatic, intense reading of molten heat and energy" and I wouldn’t disagree with that. Mitropoulos was a Mahler pioneer who gave the first American performance of this work in 1947 and it’s extraordinary to hear this performance when you consider that it predates all but the earliest released versions by Charles Adler and Eduard Flipse, both of which are available on compact disc still and deserve to be heard, even though I am left with the impression that even the 1950s were early days in the consideration of this forward-looking work. The playing by the New York Philharmonic for Mitropoulos more than justifies their reputation as one of the great Mahler ensembles and proves beyond doubt they could play Mahler magnificently long before Leonard Bernstein came along and usurped his old mentor.
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The first movement begins with another superbly weighty yet also forward moving tempo, each element of the exposition crucially integrated: energetic yet reflective at the same time, classical structure maintained with expressive contours. Alma is urgently conveyed with a real sense of the "Schwungvoll" ("Gusto" or "Spirited") Mahler asks. There is no exposition repeat from this era but Mitropoulos has invoked such a sense of the "all-or-nothing" you feel you just want to press on regardless. He makes no apologies for the relentless quality to the march rhythm, of course, with really unforgiving percussion battering away at us so that the pastoral interlude with cowbells seems a welcome place to catch our breaths before the recapitulation pitches us back into the maelstrom which seems to grow out of the music. Mitropoulos proves, if proof were ever needed, that to keep the symphonic argument to the fore brings the greatest dividends.
This performance took place before publication of the work’s critical edition so it reverses the usual order of the inner movements. Mitropoulos’s cor-anglais soloist manages a fine lamenting quality at the start of the Andante, as does his solo trumpeter later with some nice vibrato, really idiomatic, charged in its nostalgic feel but absolutely part of the whole. Mitropoulos also maintains the link to the Kindertotenlieder song already noted and the whole movement is taken "in one" with just the merest assistance to the melodies from Mitropoulos. The central climax of the movement is absolutely overwhelming in its power but by virtue of its nobility. Then the scherzo is remarkable at the start for, as with the first movement’s opening, great forward momentum matched with weight. The crucial trios find Mitropoulos aware of the various changes in meter that are there, bringing out that impression of children playing on the beach Alma Mahler has left us with. I also liked the perky woodwinds of the New York Philharmonic. All in all, Mitropoulos conveys the ugliness of this music without playing it in an ugly fashion.
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It cannot be said enough just how remarkable it is to find that in 1955 an orchestra could give such a performance as this of Mahler’s then least played and most difficult work. The opening pages of the last movement under Mitropoulos show he has appreciated their importance but he never lingers over them, showing they must be seen as prelude of the titanic drama to come. I’ll say straight away that, for me, this is the finest performance of the last movement I know. Mitropoulos keeps such a firm grip on the symphonic structure, such a single-minded concentration on pressing ahead, that the drama the movement delivers seems to hit us head on, rather like the blows of fate the hammer delivers. Note the passage 237-270 which, in more than any other version, recalls the corresponding passage in the first movement and so knits the symphony together across the movements. Then, soon after, the astonishing contribution of the trumpeters as the first hammer approaches with the latter a real blow of fate - heroic ambition emphatically stopped in its tracks. Then the "whipped" passage between the first two blows also has to be heard to be believed. So towering, so thrillingly conceived and delivered, with the orchestra playing like things possessed. Likewise in the final assault leading to the place where the third hammer blow used to be there is the same feeling as with Sanderling of the work’s "hero" going for one final throw before utter disaster. Too often we hear described the three blows of fate that fell the "hero". We never hear anywhere near enough of that which is felled, that which the hero loses and Mitropoulos seems aware of that. As I have said before, how are we to appreciate the devastating nature of what fate delivers unless we appreciate what it is that will be lost ? A man "in full leaf and flower", as Alma described Mahler at this time, must be depicted in this movement. Right up until the last note the orchestra never flags. In a studio recording this would be remarkable enough but in a "live" performance this has to be one of the great public recordings of anything, up there with Furtwängler’s Beethoven Ninth from 1942. If there is any justice this recording will become available singly at some point. If you cannot get the NYPO version by Mitropoulos but still want to experience this man’s special view of the work look out for a Cologne performance on Living Stage (LS4035155). Not quite as compelling as in New York but still formidable in its own way and a Mitropoulos Mahler Sixth to treasure."
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La Petición y anhelo del Sr. Duggan han encontrado finalmente respuesta a través de ese maravilloso sello que es ARCHIPEL, que ha obtenido los derechos de esta grabación, y la ha reeditado en un fabuloso disco que se encuentra ya disponible a la venta.
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Sirva esta entrega de homenaje y de cálido recuerdo al amigo que ya no está, pero que tantas horas de esparcimiento me brindó, y del que tanto aprendí... "No está muerto, se fue de viaje por un millón de años, quizá un poco menos."



"Cuando un amigo se va queda un espacio vacío que no lo puede llenar la llegada de otro amigo. Cuando un amigo se va se queda un árbol caído que ya no vuelve a brotar porque el viento lo ha vencido..."

domingo, 20 de junio de 2010

Las obras completas para piano y orquesta de Schumann.


Robert Schumann
PIANO CONCERTO in A minor, Op. 54.
INTRODUCCION & ALLEGRO APPASIONATO, for piano & orchestra in G major, Op. 92
INTRODUCCION & ALLEGRO, for piano & orchestra in D minor, Op. 134.
Murray Perahia, Piano
Berliner Philharmoniker
Dir: Claudio Abbado.
(SONY)
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Continuando con las conmemoraciones al bicentenario del nacimiento del gran Robert Schumann.
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El presente disco es una muy asertiva e inteligente selección de todas las obras para piano y orquesta de Schumann, quien al contrario de lo comunmente creído, compuso otras dos obras concertantes para este instrumento. El concierto de Schumann, el Op.54, es el prototipo más puro del concierto romántico, y que sienta diferencias con respecto al estilo de los grandes conciertos posrománticos, como el de Tchaikovsky ó el de Grieg.
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Perahia es excelente y soberbio pianista, y aca en estas grabaciones demuestra toda su genialidad. Abbado, director definitivamente de los grandes, pero con muchas altas y bajas, no tuvo precisamente sus mejores producciones durante su década al frente de la Filarmónica de Berlín, pero entre las honrosas excepciones cuentan, aparte de su ciclo de Brahms y sus lecturas expertas en compositores contemporaneos, sus grabaciones de Schumann.
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Disco esencial para toda discoteca básica de Schumann. Disponible para la compra (recomendable) en http://www.amazon.com/.
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M-S.

martes, 15 de junio de 2010

Petrouchka

Igor Stravinsky
PETROUCHKA (versión original de 1.911)
New York Philharmonic
Dir: Pierre Boulez.
(SONY)
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Petrouchka ó Petrushka (Francés: Pétrouchka; Ruso: Петрушка) es uno de los tres grandes ballets compuestos por Igor Stravinsky, en conjunto con La Consagración de la Primavera y El Pájaro de Fuego. Stravinsky compuso otros ballets, pero no en las proporciones de ésta gran trilogía.
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Petrouchka es la historia de una marioneta tradicional rusa, Petrouchka, hecha de trapos y rellena de aserrín (conozco gobernantes similares), que a la manera de Pinocho cobra vida y experimenta emociones. Es una obra única y de originalidad asombrosa que fusiona música, ballet, coreografía e historia en balance perfecto, en persecución de la obra de arte perfecta.
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Stravinsky compuso la música durante el invierno de 1.910-11 para la compañía de Sergei Diaghilev. La premiere tuvo lugar en Paris, en el Théâtre du Chatelet , el 13 de junio de 1.911, bajo la batuta de Pierre Monteux, con coreografía de Mikhail Fokine y escenografía de Alexandre Benois. El rol titular dancístico corrió a cargo del célebre bailarín compatriota del compositor, Vaslav Nijinsky. Siendo la producción del estreno en líneas generales muy exitosa, no dejó de provocar reacciones divididas entre el público, aunque no como el célebre zafarrancho que ocasionó La Consagración de la Primavera. La receptividad no fue la misma en otros centros musicales europeos. La Filarmónica de Viena, por ejemplo, se negó a tocar la obra, por considerarla "música sucia".
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Existen dos versiones de la obra: la original de 1.911 y la revisión del propio Stravinsky hecha en 1.947.
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Versión original de 1.911: Ha sido hasta el momento la preferida por los intérpretes y la que cuenta con más grabaciones, no sin razón, puesto que el despliegue orquestal es mayor y más colorido.
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Versión revisada de 1.947: está orquestada para una agrupación menor, requiriendo una flauta menos, dos oboes menos, pero con la adición de un corno inglés... un fagot menos, pero incluyendo un contrafagot. Stravinsky elimina las dos cornetas pero adiciona una trompeta. De igual manera elimina los instrumentos de percusión fuera de escena, así como el Glockenspiel, y deja sólo un arpa. En líneas generales es una versión de atmósfera más íntima, pero en general menos satisfactoria.
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Entre versiones en disco, hay varias dignas de mención. Vale la pena destacar la maravillosa versión en stereo de Pierre Monteux, el mismo director que estrenó la obra, pero muchos años después dirigiendo la Sinfónica de Boston, en una lectura de lujo. Entre grabaciones posteriores emerge por sobre todas la de otro gran stravinskiano, Pierre Boulez, en una lectura filosa, lujuriosa, con tiempos precisos y ritmos excitantemente abruptos, en una de las glorias interpretativas de la Filarmónica de New York. Sony ha tenido el excelente tino de incluirla junto a la también legendaria interpretación del mismo Boulez de La Consagración, con la Orquesta de Cleveland, del año 1.968. En esta entrega vuelvo a publicar La Consagración, ya tratada anteriormente en un artículo, pero con ripeo rabioso de 320 kbps para la mejor apreciación del sonido... Petrouchka, Boulez, New York...
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M-S.

Stravinsky y Nijinsky, el primer Petrouchka (1911)


sábado, 12 de junio de 2010

Cuando la conciencia de un país pierde una de sus voces...

Frank Ferko
STABAT MATER
His Majestie`s Clerkes
Dir: Anne Heider.
(Cedille)
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Mediante una hermosa obra coral vaya un pequeño pero significativo homenaje musical por la dolorosa e insustituible pérdida de ese gran periodista, poeta, personaje de medios, y sobre todo humorista venezolano y referente latinoamericano que fue Manuel Graterol Santander, mejor conocido y a recordar eternamente como "Graterolacho". Fue su voz en siempre genial prosa y en ocurrentes e hilarantes versos la expresión de la conciencia nacional venezolana, a través de un humor que desde muy temprano hizo academia. Venezuela, ésta Venezuela actual que padece y que parece disolverse en manos de dirigentes indignos, no necesitaba éste duelo adicional y por eso llora tu pérdida, Graterolacho, ahora es allá arribota, cerca del Trono Celestial, donde están disfrutando de tus coplas. IN MEMORIAM.


Manuel Graterol Santander (1935-2010) "Graterolacho"

sábado, 5 de junio de 2010

Paul Hindemith y su Metamorfosis Sinfónica.


Paul Hindemith (1895-1963)
METAMORFOSIS SINFONICA
(SYMPHONISCH METAMORPHOSEN ÜBER EIN THEMA VON CARL MARIA VON WEBER)
Staatskapelle Dresden
Dir: Otmar Suitner.
(Brilliant Classics)
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Con dedicatoria especial al amigo y reciente pero ferviente seguidor de ARPEGIO, Kenbei.
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Paul Hindemith no es sólo uno de los máximos exponentes de la música alemana y centroeuropea del siglo XX, sino de toda la música universal de ese siglo. Su relevancia radica en que fue uno de los más fervientes experimentadores del siglo, en contraposición al vanguardismo radical y atonal de Schönberg y de su escuela, demostrando que aún se podía innovar y crear música "seria" y de calidad dentro del sistema tonal imperante en toda la Historia anterior de la Música. Junto con Schönberg, Stravinsky y Bartók, se le considera uno de los cuatro grandes innovadores del modernismo musical. Fue Hindemith además uno de los pioneros en la creación y evolución de la llamada "música utilitaria" (Gebrauchsmusik), música para poder ser escuchada a cualquier hora del día y en cualquier situación. Hindemith sostenía que el compositor debía actuar como un artesano, al tiempo que debía mostrar en su música las necesidades sociales. En este sentido Hindemith a quien más se aproximaría en estilo sería al también alemán Karl Amadeus Hartmann. Como pedagogo, su influencia en las generaciones posteriores de compositores alemanes e internacionales ha sido muy destacada.
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Desde muy temprano en su carrera musical, la reputación de Hindemith fue en ascenso, inicialmente por el impacto de su música de cámara y de sus primeras Operas expresionistas. Manteniéndose en el expresionismo, Hindemith logra un lenguaje idiosincrático separado de las corrientes postmahlerianas de por ejemplo Zemlinsky y Schreker, y cada vez se vuelca más hacia las corrientes neoclásicas, aunque en una concepción diferente a lo que luego hizo Stravinsky. Las grandes obras del primer período creador de Hindemith contaron con grandes, cálidos y elogiosos estrenos, y representaciones en las principales salas de concierto y de Opera de la Europa de pre-guerra. Sin embargo, aun no siendo judío, su música fue considerada "degenerada" por los censores nazis, lo cual puso en dificultades cada vez mas serias al compositor frente al régimen, quien finalmente se vio obligado a huir de Alemania.
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Posterior a este primer período, Hindemith entra en una nueva etapa creadora de su vida artística, donde su visión creadora cambia radicalmente, dando paso a una etapa neoclásica en sus composiciones. En este sentido, trató de distanciarse lo más posible de Stravinsky y lo logró, ya que mientras Stravinsky trabajaba con variaciones sobre la música de Mozart, el germen fundamental de Hindemith era Bach. Buena muestra de ello fue su serie Kammermusik, que inició con Kammermusik no.1, el primero de una serie de siete trabajos escritos entre 1917 y 1924, en los que Hindemith trataba de imitar los conciertos barrocos, específicamente los Conciertos de Brandenburgo de Bach, aunque usando una armonía tonal mucho más amplia y añadiendo unos elementos jazzísticos y otras técnicas propias de su comtemporaneidad.
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El exilio le valió a Hindemith el auge y esplendor de su creación artística. Por sus muchas obras se labró enorme reputación entre la crítica internacional. Tras Mathias der Maler, la obra que le valió la gloria pero también el ostracismo, el contrapunto lineal de sus composiciones se hizo menos áspero, la tonalidad apareció con más claridad, lo que implicó una mayor belleza en sus piezas, frente a la austeridad característica de sus años anteriores. De esta manera aparecieron obras maestras como Plöner Musiktag; Trauermusik (1936), escrita en menos de veinticuatro horas; la Serie Coral de canciones para los franceses, compuesta sobre poemas de Rilke (1939); el ballet Nobilissima Visione (1938), basado en la vida de San Francisco; Sinfonía en Mi desafinado (1940); Sonata para dos pianos (1942); La Metamorfosis Sinfónica sobre temas de Carl Maria von Weber (1943); La Sinfonía Serena (1945); Los Cuatro Temperamentos (1940); Ludus Tonalis (1942); la Sonata para Arpa en Homenaje a Bach (1949); Sinfonía en Re para banda; o Doce Madrigales. Entre sus conciertos para diferentes instrumentos, destacan el concierto para violín (1939) y concierto para cello (1940), aunque también los hubo dedicados al clarinete, a la trompa y al piano. La última composición de Hindemith fue su snfonía "Die Harmonie der Welt" ('La armonía del mundo', 1957).
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Con el tiempo, y sobre todo en el inicio de la postguerra, la influencia de Hindemith fue declinando en favor de las corrientes extremistas de Schoenberg y Webern. La causa principal fue la oposición frontal de Hindemith hacia la dodecafonía que se imponía en las composiciones musicales, lo que incluso le llevó a calificarse a sí mismo como un anti-Schoenberg. Esto hizo que compusiese numerosas piezas satíricas en las que utilizaba once o trece notas seguidas, con las que intentó, sin resultado, cambiar el pensamiento musical de la época. Su trabajo teórico para sustituir la dodecafonía lo resumió en la publicación Unterweisung im Tonsatz ('El arte de la composición musical', 1937-1939). No obstante, su producción musical no decayó en los últimos años de su vida; en estas composiciones tardías se puede encontrar una angustia antes no reflejada. Incluso en su última obra, Die Harmonie del Welt, quizá cansado de lo infructuoso de su empeño, se permitió coincidir en el sonido con las últimas composiciones de Schoenberg.
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Paul Hindemith falleció en Frankfurt en 1.963, y su música en la actualidad recupera el terreno que bien se merece en la esfera interpretativa y en el mundo de la música grabada.
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La Metamorfosis Sinfónica sobre temas de Weber, que motiva esta entrega, constituye una de sus obras más famosas, populares y conocidas y fue compuesta por Hindemith en 1.943. La idea de componer un trabajo basado en música de Weber fue inicialmente el encargo de un ballet por parte del coreógrafo Léonide Massine. Después de estudiar la música de Weber, la idea terminó sin convencer al compositor, y en su lugar compuso la Metamorfosis.
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La obra se divide en cuatro partes:
1-Allegro
2- Scherzo (Turandot): Moderato - Lively
3- Andantino
4- Marsch
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Los temas weberianos escogidos por Hindemith, parten de la música incidental que aquel compuso para el libreto de Carlo Gozzi, Turandot, el mismo que inspiró a la inmortal Opera de Puccini.
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La obra fue estrenada el 20 de enero de 1.944, a cargo del director Artur Rodzinsky, dirigiendo la Filarmónica de New York.
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La grabación presentada en esta entrega, a cargo del recientemente desaparecido gran maestro Otmar Suitner pone de relieve la grandeza de esta música. Interpretación impoluta, cargada en contrastes y atenta a los balances, equilibrio sonoro y fuerte acentuación en todos los departamentos de la orquesta, de particular relieve la exquisita percusión, uno de los fuertes en todas las obras orquestales de Hindemith. Una verdadera joya y otro aporte en forma de homenaje a ese gran maestro que aún no se valora en su justa medida, mientras que nombres de actualidad y Rockstars de calidad oscilante y por verse como Dudamel son los que se llevan el centimetraje de los críticos.
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M-S.